Composición de figuras múltiples: tipos, técnica

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Última modificación: 2023-12-17 05:33

La composición de varias figuras es un tipo de composición que consta de un gran número de figuras combinadas en un solo grupo. Esta variedad es considerada una de las más difíciles en la pintura. Aunque las siluetas tienen una gran importancia en el contenido semántico del cuadro, el espacio interior no lo es menos.

Composición de múltiples figuras en la pintura

Es interesante saber cómo los artistas famosos del pasado y los maestros del presente enfrentaron los problemas asociados con esta dirección artística.

La Capilla Sixtina es la mayor creación de Miguel Ángel. Para pintarlo, utilizó varias escenas bíblicas que narran la creación del mundo y la aparición de personas en la tierra, etc. Con la ayuda de la escala, el gran tamaño de las figuras principales, el pintor logró el efecto de especial expresividad de escenas clave.

Las figuras de personas de Miguel Ángel se distinguen por su vívida expresión, cada gesto tiene su propio significado profundo. También es fácil de encontrar y leer. Por ejemplo, una persona que se agarra la cabeza con las manos transmite consideración, desapego. Imagenla figura encorvada expresa abatimiento y tristeza.

La composición de múltiples figuras simboliza en poses y gestos no solo la expresividad de la acción, sino que también revela su contenido.

Es interesante que a menudo un gesto transmite la intención del autor, desempeña su papel. Llamar la atención del espectador sobre algún fenómeno con la ayuda de una mano extendida ayuda a expandir los límites de la trama, indica lo que está sucediendo más allá de su marco.

No menos importante es la visión de esta forma de arte, a lo que se enfrenta. Por lo tanto, puede conectar figuras individuales o combinarlas en un grupo, separar un personaje de todos los demás y res altarlo.

En esta dirección del arte, se distinguen las composiciones de una, dos y varias figuras.

Retrato grupal estático

Durante muchos siglos, este tipo de pintura ocupó el lugar más importante. Muchos artistas ganaron dinero pintando retratos. Después de todo, en una época en la que no existía la fotografía, pintar un retrato era la única forma de capturar un momento importante para un largo recuerdo, para perpetuar la imagen de uno mismo y de sus familiares. Mientras posaban, cada uno de los miembros trató de verse atractivo y rico.

Nuevas tendencias

A lo largo de los años, un retrato estático ha perdido su relevancia, ya que los artistas siempre han intentado crear algo nuevo, ir más allá de lo habitual.

Uno de estos creadores fue H. Rembrandt, uno de los mayores representantes de la edad de oro de la pintura holandesa. No estenía miedo de romper las tradiciones e hizo una revolución en la dirección de dibujos de una composición de múltiples figuras, creando el lienzo "Reloj de noche". Los personajes de esta imagen, los luchadores de una compañía de élite, no estaban representados en el frente, sino en el entorno de servicio habitual. El retrato está lleno de gestos animados y expresiones faciales naturales.

El siglo XIX trajo una nueva dirección artística en la composición de varias figuras: un retrato de grupo de género. En tales pinturas, las personas se dejaban llevar por actividades comunes: conversación, jugar con niños. Paisajes o interiores de casas sirvieron como fondos.

Religión y mitología en la pintura

Las composiciones de siluetas de múltiples figuras más impresionantes se encuentran en lienzos con temas sublimes. Un excelente ejemplo de esto son las obras de los artistas del Renacimiento: Miguel Ángel, Sandro Botticelli, Tiziano, Caravaggio, Donatello, Raphael Santi.

Artistas modernos

Los pintores de nuestro tiempo no suelen utilizar composiciones complejas de múltiples figuras. Stanley Spencer aplicó esta técnica en su trabajo, escribiendo una serie de pinturas sobre el tema de Cristo, incluida La Última Cena, Resurrección. El artista británico interpretó estos eventos religiosos en las costumbres de los tiempos modernos.

Espacio interior

Crear un interior en un cuadro tiene ciertas dificultades. Incluso Giotto di Bondone, un artista italiano y fundador del Proto-Renacimiento, pintó una composición de múltiples figuras en el interior, que a menudo estaba en un espacio abierto. El pintor agregó a la imagen.formas arquitectónicas al aire libre: columnas, hastiales y techos. A veces se representaban varios interiores en un lienzo.

En ese momento, esta técnica en el trabajo del artista no se percibía como un espacio cerrado, sino como un diseño arquitectónico que separa los eventos y los profundiza en el contenido.

La evolución de la interpretación de una composición de varias figuras en el interior de la pintura se describe con mayor éxito en las obras del período protorrenacentista. Este es un período del Renacimiento, que duró desde la segunda mitad del siglo XIII hasta el siglo XIV. La atención en ellos se concentra principalmente en el desarrollo de reglas para la perspectiva directa, que es más fácil de mostrar con ejemplos del interior, mientras que el problema del aislamiento permanece abierto. El término "interioridad" siempre ha sido equivalente a una desviación de las normas estrictas en una perspectiva directa, tenía una tarea espacial figurativa especial.

La insularidad y el tamaño del interior se entendieron más profundamente tan pronto como el arte alcanzó la etapa apropiada de desarrollo. Han aparecido técnicas para crear la impresión de que el espectador está presente en el interior.

Un componente esencial de la imagen es la cercanía del encuadre, su tamaño y la sensación de presencia de los propios espectadores en la imagen.

Tipos de espacio de construcción

Como se desprende de la teoría de la construcción del espacio arquitectónico, la aparición de una perspectiva lineal directa está asociada a la necesidad de utilizar la imagen de la arquitectura.

Los paisajes naturales dependen menos de él, y en la pintura de siluetas, el uso deperspectivas y aún más difícil. Después de todo, la construcción del espacio depende directamente de la plasticidad de los objetos y cuerpos.

En este tipo de lienzos, donde las figuras de personas ocupan un lugar central, el espacio aparece sólo como resultado de la síntesis, dirección y movimiento de las formas.

Un ejemplo sorprendente de este tipo de imagen es la obra "Resurrección" de El Greco. El eje central son las imágenes del guerrero vencido y Cristo. Alrededor de la acción central, se puede observar el movimiento de las figuras. Figuras de guerreros se representan en el tercer plano en forma de espiral.

El cuadro clásico incluye ritmos lineales inseparables y la construcción plástica del grupo.

En la pintura moderna, una dirección como una naturaleza muerta escultórica ha desaparecido casi por completo. El uso de un grupo de figuras relacionadas con el plástico también es extremadamente raro.

Más a menudo, las pinturas representan una dispersión de figuras, una amplia disposición de objetos.

Sistema espacial

Cada tipo tiene sus propias tareas y soluciones figurativas.

Al mismo tiempo, la perspectiva clásica toma una posición subordinada, y la directa (perspectiva lineal) ayuda a construir un amplio espacio arquitectónico abierto o una escena interior de acción.

Objeto y espacio, la naturaleza de la presentación del objeto y el espacio y la relación entre ellos es muy importante.

El tipo de composición también depende de este tipo de conexión.

Conclusión

Espacio de objetos y sistema de colocación (borrado)los objetos se crean utilizando color, perspectiva tonal y lineal. En esta dirección, el espacio está sujeto al sujeto. Al mismo tiempo, también es posible otra situación, cuando el espacio domina como un medio que absorbe objetos.

Por ejemplo, en los lienzos de Rembrandt, los colores oscuros disuelven los contornos de los objetos, y el crepúsculo de sus obras posteriores ya no es solo el color de un objeto cambiado por el entorno, sino un espacio materializado.