Diego Velasquez (Diego Rodriguez de Silva Velazquez): creatividad y biografia (foto)

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Última modificación: 2023-12-17 05:33

El representante más destacado de la pintura española del "siglo de oro" es el pintor realista Diego Velásquez. Su trabajo difería significativamente de otros en su penetración en el carácter del modelo, color rico y sutil, sentido elevado de armonía. Fue él quien sentó las bases del retrato psicológico en el arte europeo. Los biógrafos afirmaron que a Diego se le dieron fácilmente muchas ciencias. Comenzó a construir una biblioteca temprano, ya que aprendió a leer a una edad temprana. Es ella quien atestigua el estudio interesado de Velázquez de muchas ciencias, pero la pintura sigue siendo la más atractiva para él.

Infancia

En la ciudad de Sevilla, en el seno de una familia pobre pero noble de judíos que se convirtieron al cristianismo el 6 de junio de 1599, nació Velásquez Diego de Silva. Era el mayor de ocho hijos en la familia. Según una costumbre andaluza común, Diego y su hermano (también artista) tomaron el apellido de su madre. El destino futuro del niño estuvo determinado en gran medida por el hecho de que su padre era originario de Portugal. En un principio, Diego, al igual que otros niños varones, fue enviado aEscuela de convento latino.

Pero a la edad de nueve años, el niño ya tenía una habilidad pronunciada para el arte, por lo que su padre envió a Herrera, un artista popular en España en ese momento, a estudiar en el taller. El hecho de la profesión elegida se convirtió en un desafío para la aristocracia local, ya que la profesión de artista era considerada una ocupación indigna para un noble. El carácter del maestro era insoportable, por eso Velásquez no estudió mucho con este maestro, y un año después el niño trabajaba en el estudio de Francisco Pacheco, un maravilloso maestro amante de la antigüedad.

En casa de Pacheco

Diego Velásquez permaneció en el taller de Pacheco hasta que recibió el título de maestro a los dieciocho años. Es gracias a los consejos de su maestro que mejora la capacidad de reproducir con precisión la naturaleza. Aquí, la obra de Diego Velásquez está representada por las siguientes pinturas: "Inmaculada Concepción", "Desayuno", "Cena de Emaús", "Cocinera Vieja", "Aguadera", "Adoración de los Reyes Magos", "Cristo en el Casa de Marta y María", "Músicos".

Después de graduarse, el mentor, que se sintió atraído por la virtud, la pureza, el genio, así como otras cualidades positivas de su alumno, lo casó con su única hija, Juana Miranda, de dieciséis años. Durante los primeros tres años de matrimonio, la joven pareja tuvo dos hijas. A la edad de veintiún años, Diego Velázquez abrió su propio taller. En los primeros trabajos del artista, se nota el interés por los representantes de la gente común. Retrata orgullosas damas andaluzas, viejos canosos, muchachos alegres yjóvenes españoles. Junto a otros creadores españoles, Diego recurre a los relatos bíblicos, pero estos no ocupan un gran lugar en la vida del autor. Por regla general, estas pinturas no tienen un colorido místico, sino que se asemejan a escenas cotidianas.

Mudanza a Madrid

Cambiando todo el ambiente de la corte de su padre, el joven (dieciséis años) gobernante Felipe IV se enteró de que en Sevilla vive un talentoso artista español, Velázquez, quien fue llamado de inmediato a palacio.

Con 24 años, Diego llega a Madrid con su suegro. El primer ministro Olivares se convierte aquí en su patrón. El "Retrato del joven rey Felipe IV" pintado por el artista es un gran éxito, tras lo cual se le otorga el título de pintor de corte. Pero, lamentablemente, esta obra no ha llegado a nuestros tiempos.

Retrato artístico

Ahora Diego Velásquez, cuya biografía cobra cada vez más color, deja de depender de trabajos ocasionales. Tiene un gran apartamento en una de las alas del palacio, y en las afueras, en uno de los castillos, tiene un espacioso taller. El propio monarca también tenía la clave para ello, todos los días le encantaba observar la obra del creador. La única desventaja de tal vida fue la limitación del tema de las pinturas que creó Diego Velázquez. El retrato se convirtió en su principal género durante muchos años. El rey mismo y sus hijos fueron escritos repetidamente en las creaciones del artista. La infanta Margherita, la hija real, fue retratada con especial frecuencia. Retratos que muestran cambios faciales han sobrevivido hasta nuestros días.a medida que crece y madura.

Diego Velázquez se convirtió en un éxito rotundo, señal de mal gusto fue la f alta de un retrato de su obra. El resultado es una gran cantidad de imágenes de cortesanos y políticos, así como una galería de destacados representantes de la cultura española.

Expulsión de los moriscos

Pero la obra de Diego no solo fue admirada, la envidia de los artistas más respetados generó un conflicto debido a que el joven creador no tomó en cuenta las tradiciones académicas. Por ello, ante la insistencia de sus "compañeros mayores", se convocó un concurso, para el cual el autor de 28 años pintó el histórico gran cuadro "La Expulsión de los Moriscos". Está dedicado a la expulsión del país de todos los residentes de origen árabe, la parte más trágica de la historia del país.

Deleite fue causado por el trabajo que hizo Diego Velázquez. Las imágenes, cuya descripción correspondía al propósito oficial, colgadas en una de las salas del palacio, repusieron esta obra maestra nítida y llena de expresión. Después de varias semanas, se ordenó que lo trasladaran al lugar donde se encontraban las pinturas favoritas del rey: la sala de los espejos.

En cuanto al propio autor, recibió un alto, equivalente a un chambelán, el cargo de guardián de la puerta real. La envidia y la malevolencia no afectaron en modo alguno las cualidades humanas de Velázquez. Mantuvo su libertad interior de los caprichos de la nobleza española. Lamentablemente, esta imagen no ha sobrevivido hasta el día de hoy.

Cuentos antiguos

Velásquez Diego, cuyas pinturas son inusuales para las tradiciones domésticas, a la edad de treinta añosedad, completa el trabajo en una obra maestra en una trama antigua como "Drunkens" o "Baco". La pintura representa un rito de paso a la hermandad de este dios. Ya hay una elección más atrevida de tipos y características realistas de los representantes desclasados de la sociedad de esa época. Todo está hecho con maestría, la imprudencia, la amargura y la diversión se representan como el teatro y la literatura modernos. Pero en general, el artista respeta el optimismo y la resiliencia de su gente.

Fue la trama antigua la que le permitió romper con la ya tradicional escena interior doméstica. Gracias a la acción en la naturaleza, la iluminación se vuelve más suave y los colores más ricos. Pero los contrastes de sombra y luz siguen siendo muy fuertes, por lo que el primer plano es un poco pesado, ya que este método es nuevo para el autor. Y el creador adquirirá después una posesión más perfecta.

Viaje a Italia. Diego Velásquez: La Fragua de Vulcano

Con el permiso del rey y, posiblemente, el consejo de Rubens, junto con el famoso comandante Ambrosio Spinola Velásquez visita la península vecina, donde copia pinturas y frescos de eminentes maestros, se familiariza con la escultura antigua y el obra de sus contemporáneos. Tal viaje amplió enormemente los horizontes de Diego y contribuyó a mejorar sus habilidades. Durante este período, Diego Velásquez trabaja muy fructíferamente. "La Fragua de Vulcano" fue escrita por él en la capital de Italia. La interpretación de la trama mitológica aquí es muy original. El autor describió el momento en que Vulcano (el dios del fuego) recibió la noticia de la traición de Apolo.esposa (de Venus).

En esta obra, la terrenalidad está completamente ausente, pero la ironía del creador se nota claramente aquí. A pesar del resplandor de Apolo, su imagen es muy prosaica. Vulcano y sus asistentes también están representados por personas vivas, que no se distinguen por la belleza divina.

Este país le dio mucho a Velázquez, su pintura se volvió más perfecta y madura, las sombras oscuras y las líneas afiladas desaparecieron, el paisaje de fondo se volvió muy significativo.

La rendición de Breda

En todo su esplendor, el artista presenta su propia habilidad en el único lienzo de batalla: "La rendición de Breda". Representa el acontecimiento de la caída de la fortaleza holandesa de Breda, sitiada por los españoles. Su comandante Justino de Nassau entregó las llaves al comandante español Spinola.

Los dos están representados en el centro del lienzo. Doblado por el peso de la derrota, Nassau corre hacia el ganador con la llave en la mano. Por otro lado, los españoles están atestados de armaduras negras y las lanzas delgadas crean una sensación de superioridad en el poder y el número del destacamento español.

Debido a la novedad de la solución artística, así como a la veracidad de la imagen del hecho histórico, esta imagen se convirtió en una revelación para su época.

Pero aún así, los retratos son el género principal en la obra de Velázquez. Se hicieron más diversos en términos de solución pictórica y composición. Todo esto se combina con una libertad pintoresca y una persuasión excepcional en la interpretación de los paisajes. A lo largo de una década, el maestro creó toda una serie de retratos de bufones y enanos. Al mismo tiempo, una imagen escrita en lo prohibidoTrama de la Inquisición "Venus y Cupido" con la imagen más rara de un cuerpo femenino desnudo en la pintura española.

Imágenes de contenido religioso. Visita a Roma

El rey español encargó a Diego un cuadro para el monasterio de San Plácido. Esta obra, llamada "La Crucifixión de Cristo", le reportó al autor un éxito rotundo, y su composición es sorprendentemente sencilla. La imagen de Cristo no tiene un fondo de paisaje, y el autor también trató de expresar mínimamente el sufrimiento en su rostro. Las proporciones, aunque ideales, difieren de los cánones musculares. La imagen crea una atmósfera de pensamiento profundo y silencio absoluto.

Junto a este artista se escribieron otras pinturas de similar contenido. Velásquez Diego, cuyas pinturas ya son famosas, vuelve a visitar Italia. Las obras creadas aquí trajeron una popularidad aún mayor al creador. El ejemplo más llamativo es el “Retrato del Papa Inocencio X”, que tiene un significado especial debido a la extraordinaria habilidad de la pintura, profundo psicologismo y aguda caracterización.

El Pontífice está representado sentado en un sillón en una pose llena de tensión oculta. El tono rojo dominante penetra en la figura y le da viveza, especialmente intensa en luz cálida. Sin pretender ennoblecer el feo rostro del Papa, el autor retrató su mirada tenaz y pesada, su temperamento y su fuerza interior. Ante el espectador no aparece un clérigo, sino un gobernante secular: inteligente, enérgico, astuto, vicioso y cruel.

A pesar de la generosa recompensa por el retrato, Inocencio lo encontró demasiado veraz, y debido a la carta de Felipe, quien temía perderartista, Diego Velásquez (en cuya breve biografía no se pierde un solo hecho significativo de su vida) regresa a su tierra natal. Después de eso, el rey lo eleva a la posición más alta en el estado: el chambelán, después de lo cual el artista recibe total independencia.

Las Meninas

Durante este período, las principales pinturas del autor son composiciones a gran escala "El mito de Aracne" y "Menin".

La mayor creación de Diego es el cuadro "Las Meninas". Esta palabra en sí denota a una niña perteneciente a una familia aristocrática, que ocupa el cargo de dama de honor de la infanta española. La composición de esta pieza es muy inusual.

El artista representó una de las habitaciones del palacio real - grande y sombría. En su parte izquierda, sobre un bastidor, él mismo está de pie junto a un gran lienzo y pinta un retrato de la familia del rey. El espectador puede ver su reflejo en el espejo detrás del creador. En el centro de la sala, rodeada de enanos y dos meninas, se encuentra Margherita, una encantadora infanta. Detrás de ellos están las figuras de un caballero y una dama de la corte, y detrás de la puerta abierta en el fondo está el mariscal de la reina.

De artistas europeos, Velásquez fue el primero en mostrar la vida tras bambalinas de la corte real. La pequeña infanta y las damas de honor están representadas con gran expresividad. Uno de ellos, según la etiqueta, se arrodilla ante Margarita, dándole un vaso de agua. El enano parece estar moviéndose y empujando al perro grande, mientras que el enano gordo se quedó paralizado aturdido.

Es bastante difícil determinar el género en el que está escrita la imagenDiego Velázquez "Las Meninas" Aquí se combinan elementos de un retrato de grupo y escenas cotidianas. De manera magistral, el autor transportó el espacio más allá del lienzo, llenándolo de luz y aire desde la ventana abierta.

Mito de Aracne

El pináculo de la habilidad creativa del artista es la obra "La hilandera", dedicada al pueblo trabajador español. Este cuadro es el primero en la historia de la pintura de Europa occidental que habla de un hombre sencillo, su obra.

Hay dos escenas independientes en la composición de la imagen. En el taller de tejido semisombrío, los hilanderos están representados en primer plano, que están ocupados con su trabajo. En el medio, un joven trabajador recoge ovillos de lana del suelo, arrodillándose. A la derecha hay otra hilandera, ella enrolla un hilo hecho de lana en una bola apretada. El autor lo escribió muy grande y realista, y transmite confianza y precisión de los movimientos con la ayuda de la imagen de manos grandes con las mangas arremangadas y una espalda ancha. Otra mujer está mirando el trabajo de esta hilandera. Y a la izquierda, en el telar de madera, con un pañuelo arrojado descuidadamente sobre su cabeza, una tejedora cansada se sienta y habla con su asistente. A sus pies descalzos yace un gato. Al fondo, detrás de una pesada cortina roja descorrida, se ven apilados tapices terminados. La escena se representa sin adornos, ordinaria, pero la rueda giratoria de la máquina y el colorido le dan el dinamismo necesario.

Al fondo dos damas de la corte observan una alfombra colgada en la pared, cuyos colores vivos y puros dan a esta parteLas habitaciones se sienten solemnes y fabulosas. En el tapiz terminado, Diego representó el final de la leyenda de Aracne, pero no la transformación de la niña en una terrible araña, sino el triunfo de la insuperable diosa del arte, que es una alegoría con tintes políticos. Así, el creador expresó su respeto por la monarquía española, que aplasta fácilmente no solo a los individuos, sino también a cualquier territorio.

Esta imagen no es solo el apogeo de la obra de Velázquez y su última gran obra, sino también una comprensiva y profunda comprensión de la injusticia de todo el orden mundial.

En este momento, la carrera cortesana de Velásquez alcanza su punto más alto: se le concedió la Cruz de Santiago, la orden más importante de España. Este hecho se convirtió en un precedente, ya que un hombre de arte se convirtió en caballero de una de las más antiguas órdenes de caballería europeas.

Pero en ese momento el creador ya estaba gravemente enfermo de malaria, que contrajo durante la ceremonia de boda del rey francés y la princesa española en la Isla Faisán. Tras regresar a Madrid, Diego Rodríguez de Silva Velásquez murió a la edad de sesenta y un años. Con su muerte finalizó el apogeo de la pintura española.