Pintura monocromática: características, ejemplos

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Última modificación: 2023-12-17 05:33

Los artistas han notado durante mucho tiempo que el color puede usarse para evocar fuertes respuestas emocionales en las personas. Artistas como Van Gogh se inspiraron en esto para crear obras maestras llenas de muchos colores. Sin embargo, otros artistas piensan lo contrario. Se esfuerzan por crear una obra maestra utilizando un solo color.

Definición

La pintura monocromática es una obra de arte pintada con un solo color. De hecho, la palabra "monocromo" significa literalmente "un color". Este es un enfoque diferente del arte, sin embargo, se usa mucho más de lo que la mayoría de la gente piensa.

Técnica

¿Cómo se crea una pintura si solo se usa un color? La clave de esto es que, por ejemplo, el azul y el verde son colores diferentes, pero el azul marino y el cian no lo son; son solo sombras del mismo color. Se puede agregar blanco al color base, haciéndolo más claro. Teóricamente, esto puede continuar hasta que se logre un blanco casi puro. Al mismo tiempo, el color se puede oscurecer agregando negro. Así los artistaspuede pintar una imagen completa, que consta de líneas, elementos y formas en diferentes tonos, que técnicamente son una pintura de un solo color.

¿Por qué usar la técnica de pintura monocromática?

Los artistas saben cuán profundamente se refleja el color en las emociones humanas. Las pinturas monocromáticas se han convertido en formas poderosas de provocar experiencias personales profundas, animando aún más a los artistas a explorar la emoción y la espiritualidad a través del arte monocromático.

Los artistas reducen su paleta de colores por muchas razones, pero principalmente es una forma de enfocar la atención del espectador en un tema, concepto o técnica en particular. Sin todas las complejidades de trabajar en color, es posible experimentar con formas, texturas y significados simbólicos.

La pintura monocromática en negro, blanco y gris también se llama grisalla.

Desarrollo de dirección

Las primeras obras de arte occidental que se conservan hechas en grisalla se crearon en la Edad Media. Fueron diseñados para eliminar todas las distracciones y enfocar la mente. Como el color impregna la vida cotidiana, el blanco y negro puede señalar una transición al otro mundo o tener un contexto espiritual.

Para algunos, el color era un fruto prohibido y prohibido por órdenes religiosas que practicaban una forma de ascetismo estético. Por ejemplo, los monjes cistercienses crearon vidrieras en la técnica de la grisalla en el siglo XII como una alternativa a las ventanas luminosas de las iglesias, con su translúcidopaneles grisáceos, con imágenes a veces pintadas en negro y amarillo. De apariencia ligera y elegante, la rejilla de la ventana de vidrio ganó popularidad fuera de la orden y eventualmente se convirtió en el modelo en muchas iglesias francesas.

Estudios de luces y sombras

Desde el siglo XV, los artistas han pintado en blanco y negro para hacer frente a los desafíos que plantean los temas y las composiciones que representan. La eliminación de color permite a los artistas concentrarse en cómo la luz y la sombra caen sobre la superficie de una figura, objeto o escena antes de pasar a un lienzo a todo color.

Pinturas de Grisallo

Cada vez más, las pinturas en grisalla comenzaron a aparecer como obras de arte independientes.

La Santa Bárbara de Jan van Eyck (1437, Museo Real de Bellas Artes de Amberes) es el ejemplo más antiguo conocido de obra monocromática sobre tabla pintada con tinta china y óleo.

Durante siglos, los artistas se han desafiado a imitar el aspecto de la escultura de piedra en la pintura. El norte de Europa tenía gusto por los elementos decorativos ilusorios, como las pinturas murales decorativas y el yeso esculpido. El mayor éxito en esta práctica lo logró el artista Jacob de Wit. Su trabajo podría confundirse fácilmente con un relieve mural tridimensional.

Abstracción

Los artistas abstractos a menudo recurren a la pintura monocromática. Cuando los artistas tienen acceso a todo lo posiblesombras, la f alta de color puede ser aún más impactante o estimulante. En 1915, el artista de Kiev Kazimir Malevich pintó la primera versión de su revolucionario Black Square y anunció que era el comienzo de un nuevo tipo de arte no figurativo. El trabajo de Josef Albers, Ellsworth Kelly, Frank Stella y Cy Tumbley ilustra el uso del color mínimo para lograr el máximo impacto.

Los artistas intrigados por la teoría del color y los efectos psicológicos del color (o la f alta de ellos) manipulan la luz, el espacio y el matiz para evocar una respuesta específica del espectador.

Pintura con tinta

Este tipo de arte le permite al artista crear áreas pronunciadas de contraste. En la mayoría de los casos, la pintura con tinta es la aplicación de tinta negra sobre una superficie blanca, lo que da como resultado este contraste. Para crear las transiciones necesarias al sombrear, se utiliza el método de aplicar varias capas. Dichos métodos incluyen, por ejemplo, varios tipos de eclosión.

Pintura monocromática de Japón

Este tipo de arte proviene de China. Fue en este contexto cultural, filosófico y artístico que nació la pintura monocromática.

De todas las artes en China, la pintura es la más importante, revela el secreto del universo. Se basa en una filosofía fundamental, el taoísmo, que establece conceptos claros de cosmología, el destino del hombre y la relación entre el hombre y el universo.

La pintura es la aplicación de esta filosofía a medida que penetra en los misterios del universo.

En el tradicionalLa pintura china tiene cuatro temas principales que son fundamentalmente los mismos en la pintura japonesa: paisajes, retratos, pájaros y animales, flores y árboles.

En Japón, durante la era Kamakura (1192-1333), los guerreros (samuráis) tomaron el poder. En esta época, gracias a la peregrinación de los monjes a China y su comercio allí, una gran cantidad de pinturas fueron traídas a Japón. Este hecho influyó mucho en los artistas que trabajaban en templos encargados por mecenas y coleccionistas de arte (shogunes).

La importación no solo inspiró un cambio en el tema, sino que también promovió un uso innovador del color: el yamato-e (pintura de pergamino largo de los siglos IX y X) fue reemplazado por técnicas monocromáticas chinas.

Las asombrosas obras de los grandes maestros budistas y pintores de las dinastías Tang y Song, pinturas escritas en tinta china negra, se llamaban suibok-ga o sumi-e en Japón (finales del siglo XIII). Este estilo de pintura fue originalmente monopolizado por los budistas zen y luego adoptado por monjes y artistas imbuidos de este espíritu, y durante mucho tiempo la pintura en tinta negra y la pintura zen (Zenga) fueron prácticamente inseparables.

El mayor maestro sumi de este período es Sesshu Toyo (1420-1506), un monje de Kioto que estudió pintura con tinta en China. Sesshu fue el único artista que asimiló la base filosófica de este tipo de pintura y la plasmó con un espíritu original en temas y lenguaje artístico japoneses, así como en relación con las representaciones espaciales de los chinos.artistas de esa época.