2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Última modificación: 2023-12-17 05:33
El arte de la escultura nos llegó desde lo más profundo de los milenios. Europa aprendió obras de arte helénicas clásicas durante el Renacimiento a partir de copias romanas. Pero el movimiento avanzó inexorablemente. El siglo XVII exigió otras formas de expresión del pensamiento. Así apareció el barroco “bizarro” y “extraño”. Escultura, pintura, arquitectura, literatura: todos respondieron al llamado de los tiempos.
Origen del término
La aparición de la palabra "barroco" provoca mucha controversia. Se propone una versión portuguesa: una "perla", cuya forma es incorrecta. Los opositores a esta tendencia la llamaron "ridícula", "pretenciosa", ya que este estilo combinaba extrañamente combinaciones de formas clásicas, así como emotividad, realzada por efectos de iluminación.
Señales de estilo
Pompa y grandeza, ilusión y realidad, excitación deliberada y cierta f alta de naturalidad: todo esto es estilo barroco. La escultura es parte integral del mismo, que muestra la revelación de la imagen humana en conflicto, con el aumento de la emotividad y la expresividad psicológica del personaje. Las figuras se dan en movimientos rápidos y agudos, sus rostrosdistorsionada por muecas de dolor, pena, alegría.
Lorenzo Bernini creó la dinámica de las imágenes y la tensión en sus obras. Con la ayuda de una piedra muerta, retrató narraciones dramáticas, especialmente hábilmente usando la luz. La superioridad artística frente a los contemporáneos de L. Bernini es indiscutible para nuestro tiempo. La escultura barroca fue elevada por este genio a alturas extraordinarias. Se esforzó por convertirse en una pintura gracias a las hábiles transiciones de luces y sombras. Las obras de arte se pueden ver desde todos los ángulos y siempre serán perfectas.
Esto sucede porque el material está completamente subordinado a la idea artística. La obra del escultor barroco, en particular la escultura, entra en contacto con el entorno, con el espacio aéreo que lo rodea. Es el barroco que se abre en la naturaleza, en jardines y parques, un nuevo hito en la historia de la escultura profana.
Cómo trabaja un escultor
Solo el brillante Miguel Ángel pudo tomar un bloque de mármol y cortar todo lo innecesario, creando una obra maestra. Lo principal es cómo nace la imagen en la cabeza del escultor, con qué tormentos creativos está asociada, cómo se piensa cada detalle, cómo ve el escultor el resultado futuro de antemano y cómo se esfuerza por acercarse a la ideal imaginario. Así es como la gente creativa ha trabajado durante siglos. El estilo barroco no es una excepción. La escultura fue creada utilizando la misma técnica. Lorenzo Bernini, como él mismo dijo, mármol apagado como la cera.
El mito del rapto de Proserpina
La composición escultórica AbducciónProserpinas” fue encargado por el joven y talentoso escultor L. Bernini (1621-1622) cardenal Scipio Borghese. El maestro tenía solo 23 años. Decidió expresar lo más vívidamente posible todos los sentimientos que surgieron en el momento de la captura de la joven Proserpina por parte de Plutón. Transcurrió feliz la juventud de la hija de Deméter, que retozaba y bailaba con sus amigos en los prados y bosques. Ella y su madre no sabían que el poderoso Zeus decidió convertirla en la esposa del gobernante del inframundo, Plutón. Una vez, mientras caminaba, le gustó una flor. Proserpina lo arrancó. Fue en este momento que el sombrío gobernante del reino de las sombras y los muertos, Plutón, apareció de debajo de la tierra en un carro dorado. Solo Helios vio desde el cielo cómo el dios poderoso agarró y llevó la belleza bajo tierra. Proserpina solo tuvo tiempo de gritar.
Escultura de Lorenzo Bernini
La composición dinámica "El rapto de Proserpina" está bien equilibrada y simétrica.
El poderoso cuerpo de Pluto, con bíceps tensos y músculos de la pantorrilla cuidadosamente tallados, venas y ligamentos hinchados, es muy estable gracias a las piernas separadas y la rodilla empujada hacia adelante. La figura de Proserpina se retuerce en sus manos. Con una mano, empuja la cabeza de Pluto lejos de ella, y con la otra, en un pedido de ayuda, la vomitó. Con sus caderas y todo su cuerpo, la joven se aleja del formidable dios. Las lágrimas corren por su rostro.
Ella es todo: una carrera hacia la libertad. El delicado cuerpo de la niña está sujeto con firmeza y suavidad por los graciosos dedos de Dios. Sus cuerpos forman una composición estable en forma de X. Primerola diagonal va desde la pierna de Plutón apartada hasta la cabeza inclinada. El segundo - a través de la pierna derecha de Proserpina, el cuerpo y la cabeza de Dios. Los cuerpos de los personajes, incluido el Cerberus, que está diseñado para equilibrar la composición, se ven extremadamente realistas. Si lo miras desde diferentes ángulos y bajo diferentes condiciones de iluminación, obtienes efectos siniestros o cálidos en las caras. También es interesante el contraste de cuerpos lisos y suavemente redondeados con el pelo desgreñado de Cerberus. Así de emocionante puede ser el arte. La escultura da la impresión de que están hechos de diferentes materiales. Pero no lo es. Además, hay que añadir que los cabellos de la cabeza del dios parecían haber sido volados por el viento, y se ven extremadamente naturales. La obra "El secuestro de Proserpina" debe caminar en círculo, luego resultará que con un número mínimo de detalles, el maestro creó una obra maestra con una niña completamente indefensa y Plutón, inquebrantable en su deseo.
La segunda orden del Cardenal Borghese
Encantado por la perfección de la obra del escultor, el cardenal Borghese en 1622 le encargó la siguiente composición. También se basó en el mito griego. Era familiar para los italianos ilustrados de las Metamorfosis de Ovidio. La conclusión es que Apolo, alcanzado por la flecha de Cupido, vio a la hermosa ninfa y comenzó a perseguirla. Ahora él ya la había alcanzado, pero la fugitiva comenzó a rezar a su padre, el dios del río, en busca de ayuda, y ante los ojos del sorprendido Apolo, se convirtió en un árbol de laurel. La escultura "Apolo y Dafne" de Bernini representa exactamente el momento en que las piernas de la ninfa se convierten en raíces y los dedos en ramas con follaje.
No queda nada de ella excepto su radiante belleza. Phoebus no perdió su amor por ella. Besó la corteza que ocultaba el cuerpo de la ninfa, y puso sobre su cabeza una corona de ramas de laurel. El genio de Bernini convirtió la poesía en realidad. Mostró el dinamismo de la acción y el cambio. Especialmente Dafne. Su traje, cayendo de su hombro, se convierte en un ladrido, sus manos en ramas. La expresión en el rostro de la ninfa es una tragedia. Dios la mira con infinita esperanza y no cree que cambie. Esta escultura ilustra el amor vano. Ella dice que la búsqueda de los placeres terrenales puede llevar a la decepción y, además, a dañar a la otra persona.
Ambas composiciones se exhiben ahora en la Galería Borghese de Roma.
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