Belcanto es una técnica de canto virtuoso. Entrenamiento vocal. canto de ópera

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Última modificación: 2023-12-17 05:33

Largas líneas de frases musicales, pasajes melódicos y gracias, increíble control de voz y la belleza perfeccionada del canto virtuoso. A la vuelta de los siglos XVI-XVII, surgió una escuela de canto en Italia, que le dio al mundo una técnica vocal interpretativa, que los italianos, ávidos de términos pretenciosos, llamaron bel canto (bel canto) - "hermoso canto". No exageremos, marcando este período como el comienzo del apogeo de las voces teatrales y el punto de partida para el desarrollo posterior del género operístico.

El nacimiento de la ópera: Florencia

Las primeras óperas que aparecieron en el período de tiempo descrito deben su nacimiento a miembros de un pequeño círculo de amantes del arte antiguo, formado en Florencia y que entró en la historia musical bajo el nombre de "Florence Camerata". Los fanáticos de la antigua tragedia griega soñaban con revivir la antigua gloria de este género y opinaban que los actores no hablaban, sino que cantaban las palabras, usando el recitativo, una suave transición melódica de sonidos, para reproducir el texto.

Las primeras obras escritas sobre la trama del antiguo mito griego de Orfeo se convirtieron en el impulso para el nacimiento de un nuevo género musical- óperas. Y las partes vocales solistas (arias) que sirvieron como parte integral obligaron a los cantantes a participar seriamente en el entrenamiento de la voz, que fue la razón del surgimiento del arte del canto hermoso: el bel canto. Esto implicaba la capacidad de interpretar fragmentos melódicos persistentes en una respiración larga mientras se mantenía una producción de sonido uniforme a lo largo de la frase musical.

Escuela napolitana

A finales del siglo XVII, se formó la tradición operística napolitana, estableciendo finalmente el arte del bel canto en el escenario teatral. Fue tanto un desarrollo de la idea florentina como un cambio en ella. En Nápoles, la música y el canto se convirtieron en el componente principal de la actuación, y no la poesía, que hasta ese momento había tenido el papel dominante. Esta innovación complació a la audiencia y causó gran entusiasmo.

Los compositores napolitanos transformaron estructuralmente la ópera. No abandonaron el uso de los recitativos, que dividieron en diferentes tipos: acompañados (acompañados por una orquesta) y secos, que contenían información presentada de manera coloquial a raros acordes de clavicémbalo para mantener la tonalidad musical. El entrenamiento vocal, que se volvió obligatorio para los artistas, aumentó la popularidad de los números solistas, cuya forma también sufrió cambios. Aparecieron arias típicas en las que los personajes expresaban sentimientos de forma generalizada, en relación con la situación, y no en función de la imagen o el personaje. Arias tristes, bufonescas, cotidianas, apasionadas y de venganza: el espacio interior de la ópera napolitana estaba lleno de contenido animado.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

El destacado compositor y entusiasta Scarlatti pasó a la historia como el fundador de la escuela de ópera de Nápoles. Creó más de 60 obras. El género de la ópera seria (opera seria), creado por Scarlatti, contaba la vida de héroes famosos con la ayuda de una trama mitológica o histórica. El canto de ópera relegó la línea dramática de la actuación a un segundo plano y los recitativos dieron paso a las arias.

La amplia gama de partes vocales en la ópera seria amplió los requisitos que debían cumplir las voces operísticas. Los intérpretes mejoraron en el arte del canto, aunque a veces esto generó curiosidades: cada uno de ellos quería que el compositor incluyera arias en la ópera que enfatizaran favorablemente la dignidad de la voz. El resultado fue una colección de números solistas no relacionados, lo que llevó a que se hiciera referencia a la ópera seria como un "concierto de disfraces".

Belleza y artesanía

Otra contribución de la escuela de ópera napolitana al desarrollo del bel canto fue el uso de decoraciones ornamentales (coloratura) de la paleta musical en las partes vocales. Coloratura se utilizó al final de las arias y ayudó a los intérpretes a demostrar al público el grado de control de la voz. Grandes s altos, trinos, pasajes escalonados, el uso de la secuencia (repetición de una frase musical o giro melódico en diferentes registros o tonalidades) aumentaron así la paleta expresiva utilizada por los virtuosos del bel canto. Esto llevó al hecho de que el grado de habilidad del cantante a menudo se evaluabasegún la complejidad de la coloratura que realiza.

La cultura musical italiana exigía mucho. Las voces de cantantes famosos se distinguían por su belleza y riqueza de timbre. El entrenamiento vocal ayudó a mejorar la técnica de interpretación, lograr uniformidad y fluidez de sonido en todos los rangos.

Primeros conservatorios

La demanda del bel canto llevó a la formación de las primeras instituciones educativas que formaban cantantes. Los orfanatos - conservatorios - se convirtieron en las primeras escuelas de música en la Italia medieval. En ellos se enseñaba la técnica del bel canto a base de imitación, repetición tras el maestro. Esto explica el alto nivel de formación de los cantores de la época. Después de todo, estudiaron con maestros reconocidos como Claudio Monteverdi (1567-1643) o Francesco Cavalli (1602-1676).

Los alumnos compusieron ejercicios especiales para el desarrollo de la voz, el solfeo, que debían repetirse, mejorando la técnica del canto y desarrollando la respiración, habilidades tan necesarias para el bel canto. Esto llevó al hecho de que, habiendo comenzado a entrenar a la edad de 7 u 8 años, a la edad de 17, los artistas profesionales para el escenario de la ópera emergieron de las paredes del conservatorio.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Con su aparición, el bel canto italiano predeterminó la tendencia de desarrollo de la cultura musical de la ópera durante los próximos tres siglos. Un hito en su desarrollo fue la obra del compositor italiano G. Rossini. La energía rítmica, la brillantez y la movilidad de las partes vocales exigieron de los intérpretes una rica variedad tímbrica, virtuosismo yexcepcional escuela de canto. Incluso las arias cantadas y los recitativos de las composiciones de Rossini exigían una dedicación total.

El melodismo de Rossini allanó el camino para el bel canto clásico, que se distingue por la integridad de las frases, la melodía suave (cantilena) suave y aireada y limpia que fluye libremente y el ardor sensualmente sublime. Cabe destacar que el propio compositor conocía de primera mano el arte del canto. De niño cantaba en el coro de la iglesia, y de adulto, además de componer, se dedicó con entusiasmo a la pedagogía vocal e incluso escribió varios libros sobre este tema.

Pedagogía

El canto operístico italiano, que se convirtió en un símbolo de la cultura musical europea de los siglos XVII-XIX, apareció gracias al trabajo de talentosos maestros innovadores que estudiaron el canto y experimentaron con la voz humana, perfeccionando su sonido. Las técnicas descritas en sus escritos todavía se utilizan en la preparación de los cantantes.

Ningún detalle escapó a la atención de los profesores. Los alumnos comprendieron los secretos de la respiración cantada libre y fácil. El entrenamiento vocal asumió un volumen de sonido moderado, frases melódicas cortas e intervalos estrechos, lo que hizo posible el uso de la respiración del habla, caracterizada por una respiración rápida y profunda seguida de una exhalación lenta. Se desarrollaron complejos de ejercicios para entrenar la producción de sonido homogéneo en registros altos y bajos. Incluso el entrenamiento frente a un espejo formaba parte del curso de formación para artistas novatos: las expresiones faciales excesivas y una expresión facial tensa traicionaban un trabajo convulso.dispositivo de voz Se recomienda mantenerse suelto, erguido y con la ayuda de una sonrisa para lograr un sonido claro y cercano.

Nuevas técnicas de canto

Las partes vocales complejas, la dramaturgia y las representaciones teatrales plantearon tareas difíciles para los cantantes. La música reflejaba el mundo interior de los personajes y la voz se convirtió en una parte integral de la imagen escénica general. Esto se manifestó claramente en las óperas de G. Rossini y G. Verdi, cuya obra marcó el surgimiento del estilo del bel canto. La escuela clásica consideraba aceptable el uso de falsete en notas altas. Sin embargo, la dramaturgia rechazó este enfoque: en la escena heroica, el falsete masculino entró en disonancia estética con el colorido emocional de la acción. El primero en superar este umbral de la voz fue el francés Louis Dupre, quien comenzó a utilizar la forma de producción del sonido, que establece mecanismos fisiológicos (estrechamiento de la laringe) y fonéticos (lenguaje en la posición en “Y”) para proteger la voz. aparato y más tarde llamado "tapado". Permitió formar la sección superior del rango de sonido sin cambiar a falsete.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Repasando el arte vocal operístico, es impensable ignorar la figura y herencia creativa del gran compositor italiano G. Verdi. Transformó y reformó la ópera, introdujo contrastes y oposiciones argumentales. Fue el primero de los compositores en tomar parte activa en la elaboración del argumento, la escenografía y la producción. En sus óperas dominaban la tesis y la antítesis, los sentimientos y los contrastes rugían, unidosmundano y heroico. Este enfoque dictó nuevos requisitos para los vocalistas.

El compositor criticó la coloratura y dijo que los trinos, las notas de gracia y los gruppettos no son capaces de convertirse en la base de una melodía. Casi no hay decoraciones ornamentales en las composiciones, permaneciendo solo en las partes de soprano, y luego desapareciendo por completo de las partituras de ópera. Las partes masculinas en los clímax se trasladaron al registro superior utilizando el "sonido cubierto" ya descrito anteriormente. Los intérpretes de las partes de barítono se vieron obligados a reconstruir el trabajo del aparato vocal a partir de una alta tesitura (disposición de los sonidos a gran altura en relación con el rango de canto), dictada por el reflejo del estado emocional de los personajes. Esto llevó a la aparición de un nuevo término: "barítono de Verdi". La obra de G. Verdi, 26 bellas óperas representadas en La Scala, marcó el segundo nacimiento del bel canto - el arte de dominar la voz llevado a la perfección.

Gira mundial

El estilo vocal ligero y elegante no se puede mantener dentro de los límites de un estado. La mayor parte de Europa cayó gradualmente bajo su hechizo. El hermoso canto conquistó el escenario teatral mundial e influyó en el desarrollo de la cultura musical europea. Se formó una dirección de ópera, que recibió el nombre de "belkanta". El estilo traspasó los límites de su aplicación y entró en la música instrumental.

La melodía virtuosa de F. Chopin (1810-1849) sintetizó la poética popular polaca y el bel canto operístico italiano. Las heroínas soñadoras y gentiles de las óperas de J. Masnet (1842-1912) están llenas de encanto belcanth. La influencia del estilo resultó ser tan grande que su influencia en la música se volvió verdaderamente grandiosa, extendiéndose desde el clasicismo hasta el romanticismo.

Conectando culturas

El gran compositor M. I. Glinka (1804-1857) se convirtió en el fundador de los clásicos rusos. Su escritura orquestal, sublimemente lírica y al mismo tiempo monumental, está llena de melodía, en la que son visibles tanto la tradición de la canción popular como la sofisticación belkante de las arias italianas. La cantilena peculiar para ellos resultó ser similar a la melodía de las canciones rusas prolongadas: veraz y expresiva. El predominio de la melodía sobre el texto, los cantos intrasílabos (acentuación del canto de sílabas individuales), repeticiones del habla que crean la longitud de la melodía: todo esto en las obras de M. I. Glinka (y otros compositores rusos) se combinó de manera sorprendentemente armoniosa con las tradiciones de la ópera italiana. Las persistentes canciones populares, según la crítica, merecían el título de "bel canto ruso".

En el repertorio de estrellas

La era brillante del bel canto italiano terminó en la década de 1920. Las convulsiones militares y revolucionarias del primer cuarto de siglo tacharon la esencia normativa del pensamiento operístico romántico, fue sustituida por el neoclasicismo y el impresionismo, el modernismo, el futurismo y otros divididos en direcciones. Y, sin embargo, las famosas voces operísticas nunca dejaron de recurrir a las obras maestras de la voz clásica italiana. El arte del "canto hermoso" fue dominado brillantemente por A. V. Nezhdanov y F. I. Chaliapin. El maestro insuperable de esta dirección de canto fue L. V. Sobinov, quien fue llamado embajador del bel canto en Rusia. La gran Maria Callas (EE. UU.) y Joan Sutherland (Australia), distinguidos por sus colegas con el título de "Voice of the Century", el tenor lírico Luciano Pavarotti (Italia) y el insuperable bajo Nikolai Gyaurov (Bulgaria) - su arte se basó en la base artística y estética del bel canto italiano.

Conclusión

Las nuevas tendencias en la cultura musical no han logrado eclipsar la brillantez de la clásica ópera del bel cante italiano. Poco a poco, los jóvenes intérpretes buscan la información preservada en las notas de los maestros de años anteriores sobre la respiración adecuada, la producción de sonido, la escultura de la voz y otras sutilezas. Este no es un interés ocioso. El público sofisticado ha despertado la necesidad de no escuchar una interpretación moderna de obras clásicas, sino sumergirse en el confiable espacio temporal del impecable arte del canto. Quizás este sea un intento de desentrañar el misterio del fenómeno del bel canto: cómo, en la era de la prohibición de las voces femeninas y las preferencias por un registro masculino alto, pudo nacer una dirección de canto que sobrevivió siglos y se convirtió en un sistema armonioso que sentó las bases para la formación de vocalistas profesionales durante varios siglos.